Прежде всего, дорогие артисты, вас не утверждают, потому что вы не умеете себя продавать. Есть шесть правил, соблюдая которые, у вас повысятся шансы быть утвержденными на пробах.
ПРАВИЛО 1. Умей себя продать.
Вы готовитесь к пробе ровно так, как готовились бы, если бы это была сцена из фильма. Вся ваша интуиция, весь ваш опыт, всё ваше образование подсказывают: нужно рассказать историю, нужно определить конфликт, раскрыть персонаж и прочее, и прочее, и прочее. Но как бы все учебные пособия и все мэтры ни утверждали, что это правильно, практика сегодняшнего дня говорит о другом. Если в фильме сцена рассказывает историю, то задача пробы для вас — утвердить вас на роль. А значит, главное, что нужно сделать в сцене для пробы лично вам – грамотно продать себя, то есть максимально продемонстрировать свое мастерство. Нет, конечно, если вы, к примеру, выпускник ГИТИСа, чей талант любим и публично восхваляем вашим мастером, или вы жена (а возможно и муж) режиссера или продюсера, или вы одновременно небесно красивы и небесно талантливы – безусловно, и вас и ваше мастерство будут холить, лелеять и неистово продвигать всеми возможными способами. Но если вы всё же относитесь к большинству представителей актёрской братии, если вы артист среднего и высшего мастерства, и не умеете себя продавать — как бы цинично это ни звучало, о вас просто никто никогда не узнает.
Что в пробе вы можете сыграть наиболее выгодно для себя? Что такого вы можете показать в сцене, чтобы обратить на себя внимание среди многих других артистов? Что у вас получается лучше всего, какие пристройки, какие штампы вы можете сюда поместить? Естественно, это не должно идти в корне в разрез с персонажем, который там прописан и, конечно же, не должно противоречить истории. Это должно лежать сверху, дополнять и выгодно выделять вас как артиста.
ПРАВИЛО 2. Диапазон и работа без партнёра
Важнейшая составляющая, благодаря которой актёрское мастерство выглядит «богатым» – это диапазон. И эмоциональный и по действию. Или по-другому — багаж штампиков, которые артист может сыграть. Он показывает, насколько ярко артист может проявлять настоящую человеческую эмоцию. Не сыгранную, а настоящую, ЖИВУЮ, когда артист сиюминутно, здесь и сейчас реагирует на то, что с ним происходит. Идёт от реакции партнера, сопереживает ему, отвечает, работает с реквизитом. Это хорошо, когда есть партнер и реквизит. А если этого нет?
Во этом случае вступает в работу эмоциональный интеллект, благодаря которому можно смоделировать реакции своего партнера. Если вы можете представить эмоции партнёра, «живёте» материал и текст сцены, независимо от того, коллега-артист перед вами, или подбрасывающий реплики кастинг-директор, или ассистент по актерам — это огромное преимущество, которое вас продаёт. Это означает, что вы сможете играть сцену без партнера, или, не видя партнёра. Ведь зачастую бывают ситуации, когда лицо партнёра находится за камерой или за краном и нужно играть крупный план, не имея зрительного контакта с ним. Даже если на пробах ваш партнёр по каким-либо причинам не выдаёт нужных реакций, это не должно быть препятствием для воспроизведения ваших собственных эмоций. Умение играть материал и с партнёром и без партнёра одинаково круто – вот, что вас продаёт.
ПРАВИЛО 3. Сухой глаз – неудачная проба
Если бездействие сбивает вас с ног, то «Сухой глаз» убивает вашу актёрскую игру. Это первая причина провала – артист приходит на пробу и выразительно читает текст. Никто никогда не утвердит вас на роль, если вы не будете играть ярко. Не важно, что за персонаж вам достался, суровый ли капитан дальнего плавания или стойкая мать одиночка. Это может быть суперскала, которая никогда не плачет, но если у вас в сцене не блестит глаз на слезе, если по голосу тембрально не слышно вашего волнения, вас не утвердят. Скажу больше: многие режиссеры и продюсеры, как ни парадоксально, утверждают неглядя – на слух определяя по тембру голоса вашу эмоцию и мастерство.
Как правило, артист существует на двух рельсах: психологическое действие и эмоциональное состояние. Если действие – например, гневаться, умолять, прощать – в некоторых случаях вы можете даже наигрывать, то запускаясь по второй колее – эмоционльному состоянию – заклинаю вас — не смейте его играть. Если вы будете пытаться технически воспроизводить состояние – вам скажут что вы живете театрально. Что имеет ввиду режиссер, когда говорит, что вы играете театрально? То, что вы, как раз таки, наигрываете состояние. Когда артист играет не эмоцию, а своё представление о том, как эта эмоция должна выглядеть, это всегда выглядит искажённо и фальшиво. Высший пилотаж мастерства – когда актёр способен войти в состояние извне, когда за внешним тянется внутреннее. Если вы способны на это – браво, маэстро, утверждаю. Если нет – добиваетесь состояния любой из огромного количества существующих сегодня техник. Даже если для этого вам требуется подкладывать эмоцию, использовать результаты тренинга, триггеры, и что угодно ещё. А любая эмоция в своих крайних проявлениях вызывает слезу.
Важно: никогда не переходите на крик в пробе. Неважно, яростно вы орёте или отчаянно — в этот момент неясно, что вы чувствуете и соответственно, что же вы играете. Для режиссера это прямой сигнал о вашем непрофессионализме. Высший пилотаж – уметь кричать органично, так чтобы было понятно, что в это время происходит с вашим персонажем и что он испытывает. Тоже самое касается и истерики: её нужно грамотно простроить, чтобы сыграть органично.
ПРАВИЛО 4. Правило пятнадцати секунд
Впечатление от пробы и артиста складывается уже в первые 10-15 секунд, в редких случаях, например, если пробы монтажные – до 30 секунд. Поэтому именно начало сцены должно быть максимально ярким, МОЩНЫМ. Неважно, какого персонажа вы воплощаете, неважно, что происходит с ним в конкретной сцене – вы с первых секунд должны играть что-то цепляющее, эмоциональное и яркое по психологическому действию. Даже если в сцене этого нет – нужно придумать, оправдать, обыграть и органично пропустить дальше по сцене. Именно «правило 15 секунд» поможет вам зацепить на себе глаз режиссёра в общем потоке отсматриваемых проб.
ПРАВИЛО 5. Закон этюда
Ещё один способ выгодно показать а, следовательно, и продать себя в пробе – изменить эмоциональное состояние с максимально возможной амплитудой. Выигрышное для вас, как для артиста, яркое начало должно, как в актёрском этюде, привести к противоположному финалу.
Начали со слезы – заканчиваете в смехе. Вступали с боли – к концу сцены летаете от радости. Зашли со счастья – финал в апатии. Вам нужно уместить весь свой диапазон в сцену.
ПРАВИЛО 6. Тест на стрессоустойчивость.
Итак, вы максимально готовы к пробе, держите текст, не плаваете в материале, уверенно отвечаете на вопросы. Но режиссёр, вдруг, ведёт себя странно. Он пьет кофе, болтает по телефону или даже ест, чихает, кашляет. Отвлекает вас, останавливает посреди дубля, дает правки «на лету». Такое происходит очень часто, но очень редко это происходит, потому что режиссер невоспитанный человек. Режиссер не быдлан, он хочет посмотреть, как вы ведете себя в стрессовой ситуации и провоцирует вас на пробах. Повышает голос, незаслуженно критикует, может даже оскорбить. И будет внимательно смотреть, как вы себя ведете. Если режиссер видит, что артист подает признаки неадекватности, ведет себя агрессивно, теряет работоспособность, прерывает рабочий процесс – это прямой сигнал о том, что работать с таким артистом (если это не медийная персона, разумеется) на площадке будет сложно. Эдакая проверка на стрессоустойчивость. В HR этот термин обозначается как стрессовое собеседование.